Joe Hisaishi Asia Tour in Seoul

히사이시조의 지브리 스튜디오 25주년 콘서트(Studio Ghibli 25th Anniversary Concert) DVD를 보고 큰 감동을 받아서 내한공연 하기를 기다리다가 우연히 알게된 공연. 코리안 심포니 오케스트라와 함께한 이 공연은 히사이시조의 미니멀 음악과 사운드트랙 곡들로 이루어져 있다. 사운드트랙이 아닌 곡들 중에는 아는 곡이 없었고 인터넷에서 찾기도 어려웠지만 애니메이션에 나오는 곡들을 들을 수 있다는 기대로 티켓 오픈하자마자 재빠르게 구매했다.

먼저 공연에 대한 전체적인 평을 하자면 좌석이 심하게 문제였다. A석을 88,000원에 구입했는데 무려 3층이었고 앞에서 두 번째 자리였음에도 불구하고 무대에서 너무 멀어 웅장한 사운드를 들을 수 없었다. 뮤직 샤워를 기대했는데 사운드 속에 있다는 느낌이 전혀 없고 그냥 무대 위에서 나는 소리를 멀찍이서 듣는 느낌이었다. 가격이 만만치 않은데 이 정도 사운드는 좀 심한 듯했다. 차라리 DVD가 사운드는 더 나았다. 앞으로 콘서트에 가서 들으려면 최소 2층 좌석은 끊어야 할 것 같다. 좋아하는 곡들이 많이 나왔고 이 곡들은 예전부터 많이 듣던 곡들이어서 더 할 말이 많지는 않다. 가장 기대했던 태왕사신기를 연주하지 않은 건 실망스러웠다. 전날 공연에서는 했다던데.

공연 시작 때 히사이시조가 말하기를 공연 전반부에서는 자신이 추구하고 있는 미니멀 음악을 연주할 것인데 이 음악은 아마 생소하고 어려울 수도 있다고 했다. 미니멀 음악이라는 말을 처음 들어봤다. 각 파트는 단순한 chunk를 계속 반복하고 이것이 어우러져(?) 하나의 음악이 된다. 사실 어우러지는 건지는 잘 모르겠다. 내각 듣기에는 소음 같기도 하고. 형신이가 음악이 진짜 어렵다고 하길래 내가 “야, 우리 같은 사람이 이런 거 들으면서 ‘어렵다’고 말하면 허세야. 이건 어려운 게 아니라 완전 노이즈 같은데.” 이 음악을 계속 접하다 보면 이 장르의 아름다움을 발견할 수 있으려나.

요즘 음악의 해석에 대해 많이 생각해본다. 작곡가가 직접 연주하고 지휘한다 하더라도 그게 정답은 아닐 것이다. 음악은 곧 경험이니까. One summer’s day는 내 favorite이지만 오늘 연주는 내가 생각하는 해석은 아니었다. 감정이 풍부하게 들어가는 음악을 좋아하긴 하지만 과한 건 질색이다. 일례로 흔히들 잔잔한 노래를 피아노로 연주할 때 감정을 집어넣기 위해 일정 부분을 늘여서 연주하곤 하는데 듣기 싫을 때가 많다. 전에 서양음악사 수업을 들을 때 김정진 교수님께서 박자를 파괴하면 안 되는 작곡가에 대해 이야기 하신 적이 있다. 누구였는지 정확히 기억이 안 나는데 쇼팽이었던가. 듣기 거북한 다른 한 가지 경우는 피아노 연주의 RnB화인데 오른손 꾸밈음을 과하게 넣는 것이다. 그런데 히사이시 아저씨가 피아노 연주를 할 때 그런 경향을 보이는 것 같아서 좀 슬프다. 앨범에서는 그렇게 안 하는데 연주회에서 연주할 때 자주 그런다. 아무래도 피아노가 강약을 표현하는 데에 어느 정도 한계가 있어서 연주자들이 그런 경향을 보이는 것 같기도 하다.

얼마 전에 송준화 교수님과 창의력과 예술에 관해 이야기를 한 적이 있었다. 내가 창의적인 연구의 어려움을 토로하면서 흔히들 창의력을 키우기 위해 예술을 즐기라고 하는데 이 말은 너무 추상적이지 않냐고 말씀드렸더니 교수님께서 공감하시면서 반면 창의력 훈련을 열심히 한 연구자는 예술을 즐길 줄 알게 된다고 하셨다. 왜냐하면 가령 그림 작품을 보면서 이 화가는 어떻게 이런 생각을 하게 됐을까 생각하게 되고 그것을 즐길 수 있게 되는 것이다. 자기의 일에서 창의력을 사용하지 않는 사람은 예술작품에서도 창의의 가치를 즐길 수 없는 것이다. 어렸을 땐 작곡이라는 것이 그저 악상이 떠오르면 받아적으면 되는 건 줄 알았다. 하지만 연구라는 것도 아이디어가 논문이 되기까지 정밀한 실험을 거치고 정리하고 스토리를 만들고 논리적으로 글을 쓰고 문장을 하나하나 다듬기를 수십 번 반복하듯이 음악이 a work가 되기까지는 마디를 하나하나 다듬는 과정이 수없이 반복될 것이다. 그것을 함께 즐기는 것이다. 음악은 그 음악 자체가 주는 아름다움도 있지만 그 음악이 만들어지기까지 작곡가의 수고를 생각하면서 나와 동일시 하고 자신을 위로하고 격려할 수 있는 것이다. 따라서 음악을 더 잘 즐기기 위해서는 그 음악이 만들어지게 된 배경을 함께 알고 이해하는 게 좋겠다.

다시 음악의 해석에 관해 이야기 해보자면 어떤 음악가의 해석이 내 맘에 안 든다고 거부하는 것이야 내 자유겠지만, 맘에 안 드는 해석에 귀를 기울이고 공감해 보려고 노력할 때 배울 것이 있고 나를 새롭게 해주는 것이 있지 않을까. 내가 원하는 해석대로 연주되는 것만 들으려고 하고 다른 해석은 즐길 줄 모르니 아직은 많이 부족한 게다.

Joe Hisaishi Asia Tour in Seoul

Creativity

Prof. Junehwa Song always emphasizes not to stick to one research area. He even says shallow and broad is better than deep and narrow. The reason is that we get more ideas and become more creative as we experience more. I don’t know how much it applies to the field I’m working in, because the field of text analysis is very theoretic and knowledge is quite cumulative. Experience of different research areas may become important once one has established a good foundation. Well, it’s a big decision anyway. My question is what is an efficient and effective way to develop creativity in the current situation? Stuff like reading many books or talking with people from different backgrounds sounds too rough and vague. How to read a book or how to talk with people seems more important and effective. Any ideas for training creativity?

Creativity

Creation and Experience

A creative idea is hard to impress people with. First because the listeners have no experience, and second because there is yet to be a proper language that explains the idea. One big mistake of presenting a creative idea is hence to describe it by words. Rather you should stimulate the listeners with a performance or other ways.

Music is not merely a matter of sound good to hear. It is experience. If certain music you’re listening to does not recall your experiences or bring up scenes in your mind, it’s really difficult to appreciate it. This is why creating music is hard. Music that has been linked with an experience is easy to enjoy. Creating music is indeed to link sound to experiences. Good musicians do it well.

Creation and Experience